Especial Batman: mis lecturas consentidas (Primera parte)

Batman es mi superhéroe favorito y el culpable de tenga que tragarme una gran cantidad de tonterías de DC. Culpable además de hacerme seguir a todos sus batiderivados como Batgirl, Nightwing, Red Hood, Batwoman, y un larguísimo etcétera. Sea como sea, no he leído cada número publicado desde hace más de 75 años pero sí lo suficiente como para tener lecturas preferidas. Esta lista es muy personal y por eso no aparecen títulos como The long Halloween o The man who laughs (entre otros) que normalmente aparecen en las listas de "mejores lecturas de Batman". Esta es la primera parte y no tiene algún orden específico.

Batman: year one

Si lo que se quiere es el principio, la voz autorizada es la de Frank Miller en Año uno. El cómic cuenta lo que pasa con Bruce Wayne en sus años de juventud y cómo sucedió su transición de millonario vengador a Batman. Describe también cómo son sus primeras aventuras y cómo dio con la idea del traje. Al mismo tiempo se nos cuenta el inicio de James Gordon en la policía de Gotham y su ascenso a ser el comisionado. Su historia es fenomenal, en medio de un cuerpo policíaco corrupto hasta la médula, Gordon se hará escuchar y respetar, a veces a la buena, a veces a la mala. A la vez, trata de proteger a su esposa embarazada. El asunto va totalmente con el tono de este personaje que siempre termina siendo un superhéroe con la identidad expuesta. En fin, la narración es algo que realmente vale la pena. Batman: año uno cuenta con adaptación animada homónima. DESCARGA

Under the hood

Este arco se desarrolló de Batman #635 al #650 incluyendo el anual #25. Para entender completamente lo que sucede es necesario enterarse de lo que pasa durante A death in the family. Batman se encuentra frente a un nuevo "villano" que se jacta de hacer lo que Batman no puede: matar a los criminales que caza. Este personaje utiliza una máscara roja que simula a la primera identidad del Joker. El asunto se complica y se torna hasta trágico cuando Batman descubre quién está debajo de la máscara. En lo personal "Red Hood" fue uno de mis personajes favoritos hasta que fue arruinado en los últimos años. Esta historia fue adaptada en la película animada "Under the red hood". Aunque es cantadísimo quién es este matón misterioso, el cómic mantuvo mi interés todo el tiempo, sin contar que la nostalgia y la acción estaban en su punto. Es opcional leer el especial Red Hood: the lost days. DESCARGA

The dark knight returns

Es de ley que todo conteo cuente con este título, desarrollado por Frank Miller en 1986, TDKR es una historia icónica del murciélago. Su publicación marcó, hasta nuestros días, el tono de la gran mayoría de historias y adaptaciones de Batman. La historia también fue adaptada (muy fielmente) en dos películas animadas. En estas entregas, un viejo Bruce Wayne ha abandonado su identidad secreta y se presenta viejo y atormentado por su pasado, que incluye la muerte de Jason Todd. Sin embargo pronto se ve obligado a volver a la acción y detener tanto a viejos enemigos como a nuevos. En el camino además se hace de un nuevo Robin: Carrie Keller. Además de excelente acción el cómic profundiza en las motivaciones de personajes como el Joker y Dos caras y nos muestra cómo evolucionaron las relaciones de Batman con conocidos como Superman o Catwoman. Al final del día la historia se convierte en un festín de acción y cuestionamientos filosóficos sobre la vida, la muerte, el bien, el mal, la locura y la cordura. La pelea final entre Bats y Sups is life. DESCARGA

Batman eternal

Perteneciente a la era New 52 (o sea, que Bats ya usa los calzones por adentro del traje), Batman eternal fue una serie de 52 números (uno por semana) que involucró absolutamente todo lo relacionado en Gotham con Batman. A pesar de que hay números más flojos que otros, la serie no falla en mantener la acción... acción que a veces se torna confusa pero no aburrida. Se involucran casi todos los villanos de la serie para dar a conocer una especie de super plan para terminar con Gotham y exponer a Batman. El inicio es en media res y tenemos a Bruce Wayne derrotado observando cómo su ciudad cae. Lo realmente interesante es llegar al final del cómic y saber por fin quién es la mente maestra detrás de la ola de destrucción que cayó sobre la ciudad. Aunque el final no es precisamente mi favorito, fue una lectura que disfruté mucho y por eso está en esta lista. DESCARGA

Heart of Hush

Dentro del clásico arco "Batman R.I.P.", apareció "Heart of Hush" (números 846-850). En esta pequeña historia reaparece uno de los villanos más infravalorados del universo de Batman (desde mi perspectiva): Hush (Thomas Elliot). Para tener mejores antecedentes sería genial leer antes "Hush", historia previa en la que se establece el origen de Thomas y su relación con Bruce Wayne. En este argumento, Hush regresa a Gotham para eliminar a Batman y para atraerlo, secuestra a Catwoman, a la que le retira el corazón. Así de intenso. Batman debe entonces derrotar a Hush y recuperar el corazón de Selina para salvarla (mientras tanto, se encuentra conectada a una maquina que la mantiene con vida). El cómic muestra el lado amante de Bruce Wayne y la complejidad de su relación con Catwoman. De paso se puede leer todo Batman R.I.P., es un parteaguas para el personaje. DESCARGA

En la segunda parte se vienen otras 5 lecturas.

Published: By: Sorel - 7:12 p.m.

El niño gusano

Hideshi Hino es considerado un maestro del terror gore tanto del manga como del cine. En este último medio alcanzó la fama mediante la serie de películas Guinea pig (basada en su trabajo gráfico) siendo las dos más famosas Mermaid in a manhole y Flower of flesh & blood. Hace años emprendí una búsqueda de películas de terror que realmente me causaran terror y me topé con esta serie; aunque no me sentí particularmente asustada, si me sentí muy asqueada. Si bien El niño gusano está en un tono muy leve de asquerosidad, se recomienda para estómagos fuertes. 

Volviendo al tema del post, el protagonista del manga es Sampei Hinomoto, un niño bastante peculiar cuyo mayor pasatiempos es cuidar de animales y bichos en su escondite secreto. Es bastante tímido y sufre de bullying tanto en la escuela como en la casa. Sus padres lo hacen menos por no ser tan inteligente como sus hermanos y en la escuela lo consideran un raro, sucio e incluso pervertido. Su situación es realmente insoportable y en medio de tal infierno, lo único que lo hace feliz es cuidar de sus animales. Sin embargo, es precisamente uno el que cambiaría su vida. Un día al llegar a su hogar Sampei vomita una especie de gusano rojo. Tras sufrir la picadura del bicho, Sampei atraviesa por una dolorosa y asquerosa metamorfosis. 

Sampei se transforma en un gusano gigante de la forma más horrorosa posible. Hideshi es un experto en el uso de la pus y el desmembramiento. La historia es bastante simple pero se ubica en dos planos. Por un lado, la anécdota grotesca de un niño y su metamorfosis monstruosa sacada completamente de una pesadilla; por otro lado, se nos cuenta en el fondo sobre la soledad, la discriminación y lo cruel que es la sociedad con los individuos que habitan la periferia de lo "normal". Se ponen en el foco problemas familiares y escolares con los que más de uno se identificaría. Conforme avanza el manga, se va derramando más sangre.

Su dibujo es muy distinguible, sus personajes son de rasgos exagerados, casi aniñados. Lo cual resulta chocante con la violencia a la que son sometidos. Obviamente, como la mayoría de los mangas, está a blanco y negro, sin embargo, logra transmitir la asquerosidad de la carne podrida, por ejemplo. Su lectura es de derecha a izquierda incluso en la edición española y es muy corta. Y sí, sé lo que algunos están pensando: "esto es tan Suehiro Maruo", pues sí. A menudo ambos son etiquetados como representantes del manga de terror junto a Shigeru Mizuki, por mencionar otro gran nombre. Así que el autor pertenece a una tradición muy peculiar del cómic japonés. 

Si tienen un estómago acostumbrado al gore o al menos al terror, El niño gusano les parecerá una lectura ligera y hasta amena, que además pone sobre la mesa temas delicados en la sociedad actual. Es una lectura muy rápida que es tan asquerosa como triste porque, vamos, Sampei no ha hecho algo malo para merecer semejante destino. Los dibujos llaman a una extraña mezcla de compasión y ternura. Es además una buena forma de acercarse al gore y eventualmente llegar a las Guinea Pig. Y si llegan a ese punto, por favor no cometan mi error de hace años: no coman mientras las ven. 

(La edición en español es de La cúpula (2005) y la traducción fue de Ismael Funes Aguilera)

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Published: By: Sorel - 2:12 a.m.

Lobas

Rachel Deville (1972) es una ilustradora, actriz y cantante francesa radicada en Barcelona y es a quien debemos la obra de la que se ocupa este post: Lobas. Este cómic se inserta en la colección [sin_nosotras] que sólo incluye novelas gráficas hechas por mujeres consideradas "emergentes" en el medio. 

La historia gira en torno a Rachel y Anne, hermanas gemelas que rememoran su paso por el mundo, curiosamente, desde su concepción. El cómic podría dividirse en dos: lo inmediato y el fondo. Respecto a lo inmediato, se nos presenta a estas hermanas en cuatro "capítulos": Narciso, Abel y Caín, el laberinto y Medusa. En cada etapa la autora hace una reflexión sobre lo que implica no ser "único" físicamente hablando y sobre la frontera entre el ser propio y el "otro". Mediante la especial relación de las gemelas se cuestiona al lector acerca del autoconocimiento, la alienación y la soledad.

Lo que inicia como una relación única, sincera y tierna se convierte poco a poco en un nudo insoportable para las gemelas y, así, se asiste a la transformación de ambas en bestias metafóricas: un par de lobas. Sin embargo, su entorno es en gran parte culpable. Esto forma parte de lo que llamo "fondo". El cómic establece también reflexiones sobre la familia y los roles que hombres y mujeres tienen dentro de ésta. La figura de la madre será sumamente importante en la primera parte de la historia como la figura del hermano mayor (el pequeño padre) lo será en la segunda. Se ve también un duro y crudo despertar a la adolescencia y la hostilidad del mundo exterior y adulto respecto al mundo íntimo de la infancia. 

En el apartado gráfico, Deville se inscribe en esta ocasión en la tradición del blanco y negro. Considero de gran calidad su utilización de las sombras y creo que el papel ayuda a imprimirles un cierto tono sepia que se acopla perfecto a los grises. Si bien se aparta del realismo estricto, sus personajes de trazos sencillos son sumamente expresivos. Su simbolismo del inconsciente es algo con lo que muchos se podrían identificar, tengan o no gemelos.

En general es una lectura muy recomendable. Es muy rápida (poco más de 100 páginas, casi carentes de diálogos) pero toca todos los asuntos que debe tocar. Si la novela hubiera sido más larga, tampoco me habría molestado pero creo que Deville tiene un gran talento para la concreción y para la transmisión de ideas sin necesidad de palabrería explicativa. Es visualmente bella, su estilo se convirtió en uno de mis consentidos y definitivamente seguiré su trabajo. 

(La edición en español es de Ediciones Sins entido  (Madrid, 2007) y la traducción fue de Lorenzo F. Díaz.)

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Published: By: Sorel - 9:47 p.m.

Bob Dylan revisited

Bob Dylan revisited es un cómic compuesto por la interpretación gráfica de 13 canciones de Bob Dylan. Como explica el periodista catalán Jordi Tardà en el prólogo a la obra, Dylan es una fuente de inspiración inagotable y sus canciones (en especial las incluidas en este libro) son himnos generacionales. En el prólogo también se da una explicación brevísima de los temas de cada canción. El sumario es el siguiente:

Como se puede observar, la obra reúne a grandes nombres del mundo del cómic y la ilustración como Dave McKean, Lorenzo Mattotti, Fréderic Bézian, Gradimir Smudja y Benjamín Flao. Antes de cada apartado se incluye la letra de la canción (en inglés y su traducción al español, en la edición de Norma) y por supuesto, quién es el "intérprete" que la ilustrará. O sea, que además de tener el placer de leer a Dylan, también se tiene el gusto de repasar una gran galería de estilos del mundo del cómic.

Hay historias más cortas que otras, unas transcriben la letra, otras sólo la evocan con la imagen. Algunos autores siguen la letra de la canción de forma literal, otros deciden imprimir sus percepciones. Unos presentan una narración, otros presentan cuadros. Es un catálogo bastante singular de ingenios.

A pesar de que todos los trabajos son buenos, en lo particular tengo 3 favoritos. En primer lugar, Lorenzo Mattotti y su trabajo brutal (como todos sus trabajos, en realidad) con la canción A hard rain's a-gonna fall del álbum The freewheelin' Bob Dylan.

Luego, del mismo álbum, se desprende la canción Blowin' in the wind. Este clásico es trazado por Thierry Murat con un minimalismo encantador.

Está, por último, la interpretación que Dave McKean hace de Desolation row del álbum Highway 61 revisited, que captura el ojo con su movimiento entre técnicas y colores.

Tampoco es todo miel sobre hojuelas. Hay un sólo punto que no me convenció del cómic: que Girl of the north country es una de las canciones que más aprecio de toda la obra de Dylan y es la que tiene la adaptación gráfica más pobre. Y, ojo, Avril tiene un estilo peculiar y genial, pero no creo que haya logrado atinar con la canción, lo cual me decepciona. Pero este puntito negativo es enteramente personal.

Como conclusión, es una obra hermosa. Se aprecie o no la música de Bob Dylan, no tiene pierde echar un ojo a la gran calidad gráfica que desfila por sus hojas. Creo que todos los autores, a su manera, han logrado magnificar cada una de las canciones incluidas. Muy recomendado. 

La edición en español estuvo a cargo de Norma Editorial, año 2010. 

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Published: By: Sorel - 3:31 a.m.

La chica a la orilla del mar

Inio Asano es un autor japonés de manga nacido en 1980. Empezó su carrera siendo muy joven y desde entonces se le distingue como una voz única de su medio y generación. A lo largo de su obra se ha movido en géneros como el surrealismo, el terror psicológico y el realismo. Precisamente en este último entra el cómic del que se habla en esta entrada.

La chica a la orilla del mar ofrece una historia que parece sencilla: Sato e Isobe son un par de adolescentes que tratan de sobrevivir, precisamente, a su juventud. Viven en una comunidad pequeña en Japón que cuenta con una playa poco transitada. El cómic retrata día a día la compleja relación que establecen, desde los silencios más largos hasta los episodios sexuales más repentinos. Ambos chicos se encuentran marcados por su pasado. 

Si bien la anécdota es simple, el desarrollo no lo es. La juventud retratada en los cómics de Inio Asano es apática, melancólica, muy íntima, solitaria e impredecible. Entre los protagonistas de La chica a la orilla del mar hay una red de obsesiones, traumas y pasiones sin resolver que los arrastran a ambos a vivir un drama intenso en lo que parece un marco muy cotidiano. También se describen sus relaciones con sus respectivas familias y amigos escolares. Este género (en el que parece que no pasa algo pero en realidad pasa todo) es conocido como Slice of life y dentro de los géneros comunes del manga, esta obra es clasificada como Seinen.

El apartado gráfico es importante porque los diálogos en el cómic son los justos, a veces los silencios dicen más. El estilo del autor es fantástico en ese sentido. Está considerado como uno de los mejores artistas de su medio. Se caracteriza por prestar mucha atención a los detalles de las viñetas y en la expresión corporal de sus personajes. Cuenta con páginas dobles impresionantes y es también famoso por copiar fondos o paisajes de fotografías reales (no las escanea y las pone de fondo, las dibuja). El resultado es ver el estilo manga que ya es bien conocido pero con una calidad muy superior. Incluso las escenas de sexo a pesar de ser explícitas no parecen obscenas, como las de un hentai. Si bien no es su mejor obra en este apartado, vale muchísimo la pena detenerse en algunas páginas a contemplar la serenidad de los detalles. 

Como ya se mencionó, el sexo es un elemento importante de la historia y también el causante de las principales críticas negativas. Sato e Isobe son dos jóvenes que descubren, exploran y perfeccionan su vida sexual juntos. Y cuando digo "exploran" casi me refiero a "experimentan". El asunto resulta chocante a muchos principalmente porque se trata de menores de edad y porque encuentran injustificados algunos encuentros. Sin embargo, el cómic hace algo que, yo pienso, es muy importante: desmitificar el sexo. En particular, "la primera vez". Los encuentros entre los protagonistas están desprovistos de la magia hollywoodense de la primera vez adolescente, se trata casi de encuentros terapéuticos y calculados. Cualquiera que sea el caso, las escenas están justificadas en tanto no se trata de niños y es un cómic dirigido a un público adulto. 

En fin, La chica a la orilla del mar es uno de mis libros favoritos de uno de mis autores japoneses favoritos. Es un gusto leerle y disfrutar de su tremendo trabajo gráfico y simbólico. El autor es un tipo que entiende a la perfección los problemas y angustias de su generación y tiene bastante talento para narrarlos y transmitir lo que quiere decir. Muy recomendado.

(En español, "La chica a la orilla del mar" fue publicado por la editorial MilkyWay en dos tomos en el año 2014).

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Published: By: Sorel - 10:18 p.m.

Bordados

Bordados es una novela gráfica de la autora Marjane Satrapi (de la que ya he hablado con anterioridad). En esta ocasión aprovecha de nuevo las anécdotas familiares para construir una historia que a la vez es personal y social. En esta ocasión Satrapi rememora el tiempo del samovar (hora del té) en el que las mujeres "airean" el corazón mientras los hombres duermen la siesta. Acompañada de su madre, abuela, tías y amigas, realiza un retrato integral de lo que implica ser una mujer en Irán.

El título del comic es precisamente una síntesis de los temas que se tratan. Lo enriquecedor del relato es que las mujeres hablan sin tapujos sobre sexo, matrimonio, hombres y costumbres y creencias iraníes respecto a la mujer. En pleno cotilleo recuerdan anécdotas propias y ajenas que involucran a niñas, jóvenes, adultas y ancianas por igual. La perspectiva que ofrece es panóramica y bastante entrañable. Las mujeres que toman el té representan también las distintas ideologías, unas son más liberales que otras, unas confían aún en el matrimonio, otras no, etc.

Lo mismo nos reímos con la anécdota de la mujer que perdió su virginidad y quiso arreglarlo con una navaja como nos indignamos con la historia de la niña casada con un anciano. Esta es la cuarta lectura que hago de Satrapi y puedo entender ya su estilo crítico pero a la vez cálido. Es decir, nos presenta un testimonio importantísimo sobre la situación histórica de Irán pero a la vez lo hace desde un punto de vista femenino y familiar. Comprendemos todo a través de las anécdotas de sus parientes y de sus reflexiones, no desde un punto de vista ajeno y totalmente objetivo. 

Sobre el estilo de Satrapi, ya es más que distinguible: trazos gruesos en blanco y negro y casi siempre en sus páginas, la predominancia del texto sobre la ilustración. Sin embargo nunca me ha parecido que sus textos "largos" le resten algo a sus obras. La narración es bastante envolvente y fluida, uno de pronto tiene la sensación de estar "chismeando" con las mujeres y quiere saber más. 

Aunque mi experiencia de lectura no fue del todo miel sobre hojuelas. En algún momento me costó mucho trabajo entender la letra del cómic que a propósito, es cursiva, emulando un manuscrito. Para efectos de estilo está genial, da un toque de intimidad, sin embargo nunca he sido muy buena para descifrar la letra cursiva. Espero que ustedes tengan más talento que yo para eso y si no, hagan el esfuerzo, es una obra corta, hermosa, cálida y sobre todo, crítica que veo como imprescindible para entender el mundo más allá de occidente y más allá de los hombres. 

Editorial en español: Norma
Guión y dibujo: Marjane Satrapi
Año de la edición en español: 2004
País de publicación original: Francia

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Published: By: Sorel - 7:37 p.m.

Los años del elefante

La novela inicia in media res. Algo se ve caer por la ventana. Karel (o Carl) lee su periódico, las acciones han bajado. Su mujer aspira la alfombra. Llaman a la puerta, Karel abre. "Su hijo se ha tirado desde el tejado". El mundo de Karel Germonprez llega a su fin.

A partir de esa tragedia, Karel se convierte en un hombre incapaz de comunicar su sentir de forma eficiente, recurre a una terapeuta y se desconecta por completo de su entorno social, que se muestra apático. Se encierra en sí mismo, piensa en el suicidio, le da vueltas al recuerdo de Wannes, su hijo. El dolor y las alucinaciones que padece lo dejan en una situación precaria. Se aferra a lo único que le queda: la silueta dibujada en el sitio donde quedó el cadáver. Le aterra olvidar. Las dos últimas hojas proporcionan uno de los finales más buenos que he leído.

Cabe mencionar que Karel no es más que el alter ego de Willy Linhout, el autor, que en 2007 perdió a su hijo de la misma forma. Por tal razón la novela está escrita y dibujada con una naturalidad que sorprende. Los años del elefante es probablemente una de las lecturas comiqueras más dolorosas y complejas que he hecho en la vida. Son más de 100 hojas dedicadas a explorar el dolor y la pérdida. No se trata de una serie de viñetas cursis y baratas que llamen al llanto fácil. Es un descensus ad inferos (sin retorno) en un contexto muy peculiar. 

Ese contexto es cómico. Los trazos son sucios, en lápiz, los gestos se exageran y las alucinaciones brindan un contexto surreal que se contraponen a la seriedad del tema. Si no fuera por los constantes recordatorios de miseria, el lector pensaría que está leyendo la tira cómica del domingo. Es la risa más amarga que se puede lograr. Creo también que es un historia diseñada para un público muy específico: el autor mismo y gente que haya experimentado el suicidio de un ser querido. Es por eso, por su alcance emocional, que ha sido una obra multipremiada en Europa.

 Lo mejor: 

1. El flujo de la narración, la mezcla entre la realidad y las alucinaciones está muy lograda. Además el cómic logra poner en la mesa todos los temas escabrosos alrededor del duelo: la terapia, las drogas, las ideas suicidas, los lazos familiares, el rompimiento con el mundo cotidiano... y todo lo hace sin ser un melodrama.

2. El contraste logrado entre el tema y un dibujo que parece más bien de tira cómica de los domingos.
3. Los usos de la silueta de Wannes a lo largo de la novela.
4. El final. Gran final. 

Conclusión:

Si el tema les es sensible, la novela debería ser capaz de dejar alguna marca en sus lectores o al menos formular en sus mentes varias preguntas o reflexiones. La muerte, específicamente el suicidio de un ser querido, es un acontecimiento desastroso para los que se quedan. Linthout es un sobreviviente, uno de verdad, uno capaz de expresarse. Los años del elefante es una pintura íntima y entrañable del duelo. Lectura altamente recomendada.

Editorial: Ponent Mon
Guión y dibujo: Willy Linthout
Año: 2009
País: Bélgica

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Published: By: Sorel - 11:21 p.m.

Hey, wait...

John Arne Sæterøy (mejor conocido como Jason) es un autor de comics nacido en Noruega. Se trata de un artista famoso y prolífico fácilmente reconocible por sus personajes antropomórficos. En este caso reseño su cómic Hey, wait..., una cortísima novela gráfica de su autoría. Como ya mencioné, la firma de Jason son sus personajes antropomórficos y un habilidoso uso del silencio en sus viñetas. Estos elementos contrastan su simplicidad con la complejidad de las historias que pretende transmitir. En este caso, Jason deja en claro una cosa: no nacemos con un manual para lidiar con la tragedia que representa la adultez.

La historia se divide en dos partes. En la primera, presenciamos imágenes de la niñez de los protagonistas: la escuela, la inocencia y los juegos nos llevan a la vez a rememorar nuestra propia infancia. Luego... la elipsis brutal, dolorosa. La vida se muestra cruel e implacable, hasta irónica para uno de los protagonistas. En la parte dos presenciamos lo que nadie quisiera, el fracaso, la depresión, la imagen propia en el espejo, la foto rota de la infancia. Jason demuestra el punto de que la tragedia tiene muchas formas pero quizá la mayor (y más sutil) es volverse adulto. De la parte uno a la dos, pasamos de un mundo en donde todo es posible, a uno asfixiante en el que todo es imposible.

Sobre el dibujo, los personajes de Jason son siempre antropomórficos, sus trazos son limpios y gruesos y gusta de las viñeetas silenciosas para comunicarse mejor. En sus historias, un cuadro completamente oscuro y vacío puede decir más que un diálogo.

Lo mejor:

1. La historia. A pesar de ser cortísima tiene lo que debe tener para representar una experiencia enriquecedora a cualquier lector.

2. El dibujo. Yo no era muy fan de los animales con comportamiento humano pero desde Maus poco me importa. Además trazar esta clase de personajes permite que un lector se proyecte más fácilmente en lo que lee.

3. El silencio. Porque en este caso sí dice más que mil palabras.

Lo peor:

1.Me gustó tanto que me pareció demasiado corto.

Conclusión:

El estilo de Jason es tan simple pero a la vez muy inteligente... está lleno de guiños y metáforas pero colocados de tal forma que no resultan abrumadores. Para decirlo en pocas palabras, Jason no pretende pasarse de intelectual. Es sorprendente que un cómic de unas 60 páginas o menos resulte tan nostálgico y hasta cruel. Muy recomendable.

Guión y dibujo: Jason

Editorial: Phantagraphics books

Año: 2001

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Published: By: Sorel - 11:07 p.m.