Los años del elefante

La novela inicia in media res. Algo se ve caer por la ventana. Karel (o Carl) lee su periódico, las acciones han bajado. Su mujer aspira la alfombra. Llaman a la puerta, Karel abre. "Su hijo se ha tirado desde el tejado". El mundo de Karel Germonprez llega a su fin.

A partir de esa tragedia, Karel se convierte en un hombre incapaz de comunicar su sentir de forma eficiente, recurre a una terapeuta y se desconecta por completo de su entorno social, que se muestra apático. Se encierra en sí mismo, piensa en el suicidio, le da vueltas al recuerdo de Wannes, su hijo. El dolor y las alucinaciones que padece lo dejan en una situación precaria. Se aferra a lo único que le queda: la silueta dibujada en el sitio donde quedó el cadáver. Le aterra olvidar. Las dos últimas hojas proporcionan uno de los finales más buenos que he leído.

Cabe mencionar que Karel no es más que el alter ego de Willy Linhout, el autor, que en 2007 perdió a su hijo de la misma forma. Por tal razón la novela está escrita y dibujada con una naturalidad que sorprende. Los años del elefante es probablemente una de las lecturas comiqueras más dolorosas y complejas que he hecho en la vida. Son más de 100 hojas dedicadas a explorar el dolor y la pérdida. No se trata de una serie de viñetas cursis y baratas que llamen al llanto fácil. Es un descensus ad inferos (sin retorno) en un contexto muy peculiar. 

Ese contexto es cómico. Los trazos son sucios, en lápiz, los gestos se exageran y las alucinaciones brindan un contexto surreal que se contraponen a la seriedad del tema. Si no fuera por los constantes recordatorios de miseria, el lector pensaría que está leyendo la tira cómica del domingo. Es la risa más amarga que se puede lograr. Creo también que es un historia diseñada para un público muy específico: el autor mismo y gente que haya experimentado el suicidio de un ser querido. Es por eso, por su alcance emocional, que ha sido una obra multipremiada en Europa.

 Lo mejor: 

1. El flujo de la narración, la mezcla entre la realidad y las alucinaciones está muy lograda. Además el cómic logra poner en la mesa todos los temas escabrosos alrededor del duelo: la terapia, las drogas, las ideas suicidas, los lazos familiares, el rompimiento con el mundo cotidiano... y todo lo hace sin ser un melodrama.

2. El contraste logrado entre el tema y un dibujo que parece más bien de tira cómica de los domingos.
3. Los usos de la silueta de Wannes a lo largo de la novela.
4. El final. Gran final. 

Conclusión:

Si el tema les es sensible, la novela debería ser capaz de dejar alguna marca en sus lectores o al menos formular en sus mentes varias preguntas o reflexiones. La muerte, específicamente el suicidio de un ser querido, es un acontecimiento desastroso para los que se quedan. Linthout es un sobreviviente, uno de verdad, uno capaz de expresarse. Los años del elefante es una pintura íntima y entrañable del duelo. Lectura altamente recomendada.

Editorial: Ponent Mon
Guión y dibujo: Willy Linthout
Año: 2009
País: Bélgica

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Published: By: Sorel - 11:21 p.m.

Hey, wait...

John Arne Sæterøy (mejor conocido como Jason) es un autor de comics nacido en Noruega. Se trata de un artista famoso y prolífico fácilmente reconocible por sus personajes antropomórficos. En este caso reseño su cómic Hey, wait..., una cortísima novela gráfica de su autoría. Como ya mencioné, la firma de Jason son sus personajes antropomórficos y un habilidoso uso del silencio en sus viñetas. Estos elementos contrastan su simplicidad con la complejidad de las historias que pretende transmitir. En este caso, Jason deja en claro una cosa: no nacemos con un manual para lidiar con la tragedia que representa la adultez.

La historia se divide en dos partes. En la primera, presenciamos imágenes de la niñez de los protagonistas: la escuela, la inocencia y los juegos nos llevan a la vez a rememorar nuestra propia infancia. Luego... la elipsis brutal, dolorosa. La vida se muestra cruel e implacable, hasta irónica para uno de los protagonistas. En la parte dos presenciamos lo que nadie quisiera, el fracaso, la depresión, la imagen propia en el espejo, la foto rota de la infancia. Jason demuestra el punto de que la tragedia tiene muchas formas pero quizá la mayor (y más sutil) es volverse adulto. De la parte uno a la dos, pasamos de un mundo en donde todo es posible, a uno asfixiante en el que todo es imposible.

Sobre el dibujo, los personajes de Jason son siempre antropomórficos, sus trazos son limpios y gruesos y gusta de las viñeetas silenciosas para comunicarse mejor. En sus historias, un cuadro completamente oscuro y vacío puede decir más que un diálogo.

Lo mejor:

1. La historia. A pesar de ser cortísima tiene lo que debe tener para representar una experiencia enriquecedora a cualquier lector.

2. El dibujo. Yo no era muy fan de los animales con comportamiento humano pero desde Maus poco me importa. Además trazar esta clase de personajes permite que un lector se proyecte más fácilmente en lo que lee.

3. El silencio. Porque en este caso sí dice más que mil palabras.

Lo peor:

1.Me gustó tanto que me pareció demasiado corto.

Conclusión:

El estilo de Jason es tan simple pero a la vez muy inteligente... está lleno de guiños y metáforas pero colocados de tal forma que no resultan abrumadores. Para decirlo en pocas palabras, Jason no pretende pasarse de intelectual. Es sorprendente que un cómic de unas 60 páginas o menos resulte tan nostálgico y hasta cruel. Muy recomendable.

Guión y dibujo: Jason

Editorial: Phantagraphics books

Año: 2001

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Published: By: Sorel - 11:07 p.m.

Paquidermo

Ya de entrada, la portada me encanta. Es un perfecto ejemplo de lo que toda la novela es: un no saber qué está pasando exactamente. Paquidermo es una obra del conocido autor suizo Frederik Peeters. La historia gira entorno a Carice, una joven y elegante mujer que se dirige al hospital porque le informaron que su marido se accidentó. Sin embargo, la carretera es obstruida por un elefante atropellado por lo que Carice debe atravesar un bosque a pie para llegar al nosocomio.

De ahí en adelante la historia oscila entre el sueño y la realidad. Los miedos y problemas de esta mujer se proyectan en los paisajes y especialmente en el hospital. Hasta que el cómic no lo aclara, no sabemos en cual reino estamos. Lo único que podemos asegurar es que cada vez nos adentramos más en la historia de esta mujer y que tiene unos giros geniales. Asistimos también a una historia de espionaje que se asoma entre alucinación y alucinación. Freud y el sexo y diversos símbolos hacen de esta novela algo rico de leer. También abundan los homenajes al cine de suspenso y obras clásicas de la literatura, como el mismo autor menciona en una entrevista: 

Paquidermo es un intento de trabajar sobre el terreno de los literatura y el cine de los años 30 y 40, en los que la psiquiatría freudiana está muy presente en las historias. Hay muchos ejemplos en el cine americano de ese periodo, en el primer [Alfred] Hitchcock, también Fritz Lang o las novelas de Stefan Zweig…

La estética de los años 50 definitivamente dotan a esta obra de una parte visual muy interesante. A mi me parece una ilustración muy fina y aunque simple, es exquisita. Me encontré con bosques espectaculares con entradas vaginales, cadáveres que vuelven a la vida, mujeres y hombres intrigantes, ancianos raros y animales que hacen más de lo que parece. Todos dibujados y coloreados a la perfección.

Lo mejor:

1. La historia. A pesar de no ser algo espectacular o algo muy intelectual, es genial presenciar los giros que da. Digamos que es una historia clásica con elementos "secundarios" que la hacen genial.

2. El final. Me encantó, es algo que en algún punto de la novela se intuye pero se confirma de gran manera. Además, es un final que nosotros debemos cerrar.

3. La estética. Entre esa aura retro y el dibujo exuberante pero fino, es una obra visualmente muy, muy agradable.

Lo peor:

1. Quizá por los homenajes, a veces da la impresión de que en algún lado ya vi / leí esto. 

Conclusión:

Me ha parecido una historia redonda, Cierra lo que empieza (de alguna forma), explora el inconsciente y lleva al lector de viaje a una historia que se desenvuelve en dos tramos: el real y el surreal. Y en ambos planos hay giros muy interesantes. Me parece que es una historia con mucho homenaje y algo clásica, de alguna forma es algo que ya hemos visto y leído pero no por eso es menos buena. Es una reinvención muy linda y recomendable para empezar con Peeters. 

Guión y dibujo: Frederik Peeters

Editorial: Astiberri

Año: 2009

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Published: By: Sorel - 10:57 p.m.

Pollo con ciruelas

Pollo con ciruelas es un cómic de la aclamada autora de Persépolis, Marjane Satrapi. En esta ocasión, la creadora aprovecha de nuevo sus anécdotas familiares para ofrecer la historia de Nasser Ali, un virtuoso del tar (instrumento musical de 4 cuerdas) que toma la decisión de morir. Al iniciar la novela, aparece una escena que no parece relevante y luego nos enteramos de que Nasser Alí está buscando un nuevo tar porque el suyo se lo han roto. Luego de muchos intentos fallidos y al no encontrar un nuevo tar que lo satisfaga, decide dejarse morir.

Durante 8 días (un capítulo por cada día) el cómic nos envuelve en un viaje para conocer la vida del músico. La técnica narrativa se apoya en analepsis y prolepsis. Mediante el pasado, presente y futuro conocemos a la esposa de Nasser, a sus dos pequeños hijos, a sus amigos, su carrera musical y al amor de su vida: Irane, Irane, Irane... Gracias a este viaje por la vida de Nasser, lo que al principio parecía un berrinche por parte del protagonista toma los tintes de una verdadera tragedia amorosa.

Pollo con ciruelas es una de las historias de amor más bonitas que he leído. Sé que suena cursi, pero "bonita" es un adjetivo que le va genial. Entre más se avanza en la historia más respuestas se obtienen, más razones y motivos y la agonía de Nasser va adquiriendo más significados. Un amor perdido, un matrimonio forzado, nostalgia e impotencia. Sólo al final entendemos la verdadera relación entre Nasser Alí Khan y su tar roto. Las últimas 3 páginas del cómic no son más que un final anagnórico y hermoso para un cómic igualmente bonito.

Los trazos de Satrapi son gruesos y los tonos son dos: blanco y negro, sin tintas medias. La historia se basa en un antepasado de la misma autora: un músico murió de tristeza. Al igual que en Persépolis, Pollo con ciruelas brinda pinceladas de la cultura Iraní y de los profundos cambios sociales que ha tenido aquella región. Aunque en esta novela esos cambios pasan a segundo plano. Creo que este cómic está a la altura de Persépolis pero minimizado por la sombra de la misma. 

Lo mejor: 

1. La técnica narrativa: la crea la historia tejiendo con hilos del presente, pasado y futuro con una gran calidad. Además redondea la historia al iniciarla con una situación que se explica hasta el final. 

2. El dibujo de Satrapi. En lo particular me gusta su estilo, es limpio y bien definido. Su trazos gruesos no privan a sus personajes de la emoción necesaria.

Lo peor:

1. Me cuesta trabajo no asociar algunas partes de la novela con Persépolis. Me gustaría ver que algún día la autora se aparte un poco de la sombra de su obra más reconocida.

2. La película. No es culpa del cómic, pero a pesar de ser un resultado agradable, la adaptación cinematográfica del 2011 no representó la misma experiencia que la novela.

Conclusión:

Este es un claro ejemplo de que una novela puede ser breve y tener un argumento "sencillo" y aun así ofrecer una rica variedad de situaciones y artilugios literarios. Menos es más hasta en los trazos. Sin duda recalco lo que ya dije: es una de mis historias de amor preferidas, de las más bonitas y adorables. Lectura corta ampliamente recomendada.

Editorial: Norma

Guión y dibujo: Marjane Satrapi

Año: 2005

País: Francia

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Published: By: Sorel - 10:48 p.m.

Cuento de arena

Cuento de arena es la adaptación al cómic de un guión frustrado de Jim Henson y Jerry Juhl. Sí, el Jim Henson detrás de los Muppets, Sesame Street, The Dark Crystal y Labyrinth. La adaptación se llevó a cabo por Ramón K. Pérez luego del descubrimiento de la historia inédita en las oficinas de la Jim Henson Company. El argumento nos lleva a una fiesta en un pueblo pequeño. Súbitamente al protagonista se le pide que huya al desierto y éste, desorientado, lo hace. Pronto descubre que alguien lo persigue con no muy buenas intenciones.

La historia es definida por los mismo autores como un "drama cómico surrealista" y de verdad se apega a la descripción. El lector no sabe nada sobre el protagonista o los demás personajes o qué diablos está pasando. Los diálogos son muy pocos, lo único que sabemos es que existe una persecución y que el desierto es el escenario de una serie de situaciones oníricas que le acontecen al protagonista. En este sentido el guión es torpe, carece de enganche con los personajes o de suficiente simbolismo. Todo queda en la anécdota graciosa. Como lo dice Raúl Silvestre en Zona Negativa:

tan sólo se logra la empatía del Correcaminos en su persecución constante con el Coyote. Esto no es malo, desde luego. Es divertido, tiene mucho ritmo, pero faltan los ganchos del interés emocional.

Por otro lado, se tiene el fabuloso trabajo gráfico de Ramón K. Pérez. El cómic cuenta con varias páginas dobles espectaculares. La paleta de colores es variada e intensa y las viñetas son fluidas y dinámicas. Creo que el ilustrador rescató de esa forma el espíritu cinematográfico del texto que adaptaba. Más que trabajar el hilo de una historia, trabajó una serie de impresiones.

Lo mejor: 

1. El trabajo gráfico de Ramón K. Pérez. El valor de la novela recae en este aspecto y vale totalmente la pena.

2. Las dobles páginas son de otro mundo, increíbles.

Lo peor:

1. El guión. Parece que se queda corto y no es usado en todo su potencial. La historia queda en una mera anécdota graciosa sin causar mayor "daño" al intelecto del lector. 

Conclusión:

Hay que tomar en cuenta que el guión era para cine y no para cómic. A pesar de que el ilustrador puso todo su esfuerzo en lograr un resultado "cinematográfico" y apegarse a las intenciones de los autores, no es lo mismo. Siento que el resultado de cine hubiera sido algo muy diferente, que el guión se hubiera potencializado por el movimiento y la música. Pero no fue así. Sin embargo, vale mucho la pena leer esta obra que da cátedra sobre el dinamismo de las viñetas y el color. 

Guión: Jim Henson, Jerry Juhl

Dibujo: Ramón K. Pérez

Editorial: Norma

Año: 2013

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Published: By: Sorel - 10:21 p.m.

No comment

No comment es un cómic que contiene varias historias mudas creadas por Ivan Brun. La verdad es que para una persona sensible no es fácil leerlo. Por sus páginas desfilan sueños rotos, muerte, violación, soledad, desigualdad social, pobreza e ironía de la más cruel. Es un cómic que demuestra lo enferma que está la sociedad actual. Al final del día, el lector se siente mal por existir.

Como ya se mencionó, no existen diálogos en estas historias aunque a veces aparezcan globos, éstos sólo contienen "figuritas". Esto ayuda a que el lector se identifique con las situaciones y sean más digeribles.

Sin embargo... el dibujo causa un efecto extraño. El cómic presenta personajes aniñados, de rasgos grandes y redondos que causan, a primera vista, algo así como ternura. Esto es sumamente chocante con la realidad que retrata. Que además nos encontremos con humor negro sólo ayuda más a la perturbación. Niños explotados, hombres consumidos por la ambición, mujeres abusadas, adictos, cadáveres, todos con una estética que grita ternura.

Lo mejor:

1. La capacidad de narrar sin diálogos (y no perder el vínculo con el lector)

2. La crítica social, la ironía. 

3. El choque entre la historia y el dibujo. 

Lo peor:

1. A mí me encanta de una forma retorcida, pero a mucha gente le parece muy fuerte y chocante. De ahí en más, no encuentro defectos.

Conclusión:

Es una lectura rápida por carecer de texto pero muy dura a la vez. Ivan Brun (involucrado con la escena punk en su patria) pone el dedo en la llaga y lo retuerce. ¿Qué tan mal estamos como sociedad? ¿Y como seres humanos? Esta obra se encarga de explicar lo fatal que llevamos todo. ¿Es pesimista? Sí ¿Es exagerada? No y el que opine lo contrario está en estado de negación. Es una lectura muy, muy recomendable. No es una crítica más al sistema, es una muy especial: dinámica, irónica y perversa.

Guión / dibujo: Ivan Brun

Editorial: Ediciones La Cúpula

Año: 2009

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Published: By: Sorel - 9:21 p.m.

El azul es un color cálido

El amor no es eterno pero nos hace eternos

El azul... es una novela gráfica creada por Julie Maroh en 2010 y  ha sido multipremiada en Francia desde entonces. El argumento va así: Clementine es una adolescente introvertida que está entrando al complicado mundo de las relaciones amorosas y el sexo. Finalmente tiene su primera experiencia con un chico pero descubre que no es lo que ella esperaba. Su mundo cambiará por completo cuando descubra que las "cosquillitas" no se las causa un hombre, sino una mujer: Emma, una chica abiertamente homosexual.

La verdad es una típica historia de amor pero con la variante de ser entre lesbianas. Por sus páginas encontraremos sexo, infidelidad, obstáculos sociales, familias inconformes, escuela, engaños, tragedia, pero sobre todo drama, mucho drama. Demasiado drama. Creo que la única distinción entre esta historia y las demás es que el foco está sobre el tema de la homosexualidad. En mi opinión, no es suficiente. La historia me parece hasta predecible en momentos. Es lo que pasa cuando se abusa de los clichés. Sin embargo es interesante que la narración sea un "flashback" de una de las protagonistas y la nostalgia visual está muy bien lograda. Además el texto tiene momentos muy lúcidos, como la frase al principio de esta reseña. 

 

El dibujo es bueno, a secas. Logra transmitir la ternura y la angustia pero no es algo del otro mundo. Lo mejor del trabajo gráfico es el color. Sería apropiado decir que en este cómic el azul es el nuevo rojo. Realmente es acertado el uso de las tonalidades azules. Las escenas sexuales entre las protagonistas tienen mucho empeño.

Lo mejor:

1. El uso del color azul a lo largo del cómic.

2. Para bien o para mal, puso el dedo en el problema de la tolerancia hacia la comunidad homosexual y propició la aparición de una película que fue premiada en Cannes, poniendo el tema a la orden del día en el mundo cinematográfico

Lo peor:

1. El argumento es un hilo continuo de clichés.

2. Se abusa del drama y la "sensiblería". 

Conclusión:

Creo que la intención es buena, pero por la temática este cómic pudo haberse manejado de forma mucho más inteligente. Siento que la autora confía en impresionar al lector mostrándole sexo lésbico y nada más. Si gustan de historias románticas y hasta cierto punto "cursis" o si son muy sensibles, esta es su obra. Si no, puede que encuentren el cómic algo aburrido.

Guión y dibujo: Julie Maroh

Editorial: Dibbuks

Año: 2011

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Published: By: Sorel - 1:25 p.m.

La voluptuosidad

Piedras, mujeres, hombres, un mono. El argumento de esta novela gráfica de Blutch (seudónimo de Christian Hincker) gira en torno a esos cuatro elementos. Un mono se escapa del zoológico y el asunto se vuelve prioridad para el gobierno. El mono divaga por una comunidad y se vuelve testigo y detonante de algunas situaciones que no puedo calificar más de que extrañas y sexuales.

Blutch es un autor francés con una de las voces más reconocibles del cómic. Esta obra, si bien tiene un hilo conductor, no es para nada lineal. Más bien trabaja una serie de situaciones separadas y cada una representa algo en el abanico de las relaciones amorosas y sexuales. Para sentirse más cómodo con las lectura es necesario abandonar el mundo realista e introducirse en el onírico. El cómic está plagado de un simbolismo que intenta explorar la sexualidad humana. Sin embargo, no es una historia erótica. Los cuadros con imágenes o referencias sexuales más que erotismo transmiten humor y en mi opinión, incomodidad. Muchos cuadros no son explícitos, pero algo dentro del lector se activa. Simbolismo, simbolismo.

El dibujo parece hecho con carboncillo o algo similar. Son trazos desenfadados y hasta violentos. Por supuesto, la paleta de colores se mueve entre rojo y negro con excepción de las primeras y últimas hojas, que son una especie de recuerdo. Los trazos definitivamente combinan con la historia.

Por último quisiera mencionar que me parece una obra un tanto feminista en tanto reivindica la sexualidad femenina como algo a lo que no se debe temer. La carga intelectual en el cómic la llevan las mujeres. Las féminas tienen el control y la palabra. Los hombres, en esta historia están en un segundo plano, siendo instintivos, primarios. Se les ve como animales básicos y sometidos. Quizá por ahí va el asunto del mono.

 Lo mejor:

1. Los símbolos utilizados a lo largo de la historia. Este cómic no cuenta, sugiere. 

2. Los personajes femeninos

Lo peor:

1. El dibujo. En mi opinión, no funciona, confunde.

Conclusión:

Creo que las principales misiones de Blutch con este cómic son incomodar y explorar el inconsciente. ¿Lo logra? Sí. Sin embargo no termino de sentirme complacida con la lectura porque algo no cuadra: el dibujo. Entiendo por qué ese estilo y no otro pero creo que se pudo hacer algo más para acentuar el erotismo y sobre todo, el cuerpo femenino, que en ocasiones es muy tosco. Eso sí, al César lo que es del César, es un cómic muy entretenido que el lector debe completar usando su bagaje. No muchas historias logran que receptor sea tan activo. Lectura recomendada si se quiere experimentar.

 

Guión y dibujo: Blutch (Christian Hincker)

Editorial: Ponent Mon

Año: 2007

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Published: By: Sorel - 1:11 p.m.

Sobre Comic Soup

 ¡Hola!

Este es un blog en el que reseñaré de forma breve algunas de las novelas gráficas (o cómics, como quieran llamarles) que voy leyendo. 

No esperen algo profesional, poco sé yo en esta área pero trato de aprender sobre la marcha. Mis lecturas son desde el mundillo de la literatura. No hago grandes spoilers ni destripo finales. Ojalá alguna lectura se les antoje. Todos los comentarios son bienvenidos.

*Todas las imágenes pertenecen a sus respectivos autores*

Published: By: Sorel - 12:54 p.m.