Lobas

Rachel Deville (1972) es una ilustradora, actriz y cantante francesa radicada en Barcelona y es a quien debemos la obra de la que se ocupa este post: Lobas. Este cómic se inserta en la colección [sin_nosotras] que sólo incluye novelas gráficas hechas por mujeres consideradas "emergentes" en el medio. 

La historia gira en torno a Rachel y Anne, hermanas gemelas que rememoran su paso por el mundo, curiosamente, desde su concepción. El cómic podría dividirse en dos: lo inmediato y el fondo. Respecto a lo inmediato, se nos presenta a estas hermanas en cuatro "capítulos": Narciso, Abel y Caín, el laberinto y Medusa. En cada etapa la autora hace una reflexión sobre lo que implica no ser "único" físicamente hablando y sobre la frontera entre el ser propio y el "otro". Mediante la especial relación de las gemelas se cuestiona al lector acerca del autoconocimiento, la alienación y la soledad.

Lo que inicia como una relación única, sincera y tierna se convierte poco a poco en un nudo insoportable para las gemelas y, así, se asiste a la transformación de ambas en bestias metafóricas: un par de lobas. Sin embargo, su entorno es en gran parte culpable. Esto forma parte de lo que llamo "fondo". El cómic establece también reflexiones sobre la familia y los roles que hombres y mujeres tienen dentro de ésta. La figura de la madre será sumamente importante en la primera parte de la historia como la figura del hermano mayor (el pequeño padre) lo será en la segunda. Se ve también un duro y crudo despertar a la adolescencia y la hostilidad del mundo exterior y adulto respecto al mundo íntimo de la infancia. 

En el apartado gráfico, Deville se inscribe en esta ocasión en la tradición del blanco y negro. Considero de gran calidad su utilización de las sombras y creo que el papel ayuda a imprimirles un cierto tono sepia que se acopla perfecto a los grises. Si bien se aparta del realismo estricto, sus personajes de trazos sencillos son sumamente expresivos. Su simbolismo del inconsciente es algo con lo que muchos se podrían identificar, tengan o no gemelos.

En general es una lectura muy recomendable. Es muy rápida (poco más de 100 páginas, casi carentes de diálogos) pero toca todos los asuntos que debe tocar. Si la novela hubiera sido más larga, tampoco me habría molestado pero creo que Deville tiene un gran talento para la concreción y para la transmisión de ideas sin necesidad de palabrería explicativa. Es visualmente bella, su estilo se convirtió en uno de mis consentidos y definitivamente seguiré su trabajo. 

(La edición en español es de Ediciones Sins entido  (Madrid, 2007) y la traducción fue de Lorenzo F. Díaz.)

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Published: By: Sorel - 9:47 p.m.

Bob Dylan revisited

Bob Dylan revisited es un cómic compuesto por la interpretación gráfica de 13 canciones de Bob Dylan. Como explica el periodista catalán Jordi Tardà en el prólogo a la obra, Dylan es una fuente de inspiración inagotable y sus canciones (en especial las incluidas en este libro) son himnos generacionales. En el prólogo también se da una explicación brevísima de los temas de cada canción. El sumario es el siguiente:

Como se puede observar, la obra reúne a grandes nombres del mundo del cómic y la ilustración como Dave McKean, Lorenzo Mattotti, Fréderic Bézian, Gradimir Smudja y Benjamín Flao. Antes de cada apartado se incluye la letra de la canción (en inglés y su traducción al español, en la edición de Norma) y por supuesto, quién es el "intérprete" que la ilustrará. O sea, que además de tener el placer de leer a Dylan, también se tiene el gusto de repasar una gran galería de estilos del mundo del cómic.

Hay historias más cortas que otras, unas transcriben la letra, otras sólo la evocan con la imagen. Algunos autores siguen la letra de la canción de forma literal, otros deciden imprimir sus percepciones. Unos presentan una narración, otros presentan cuadros. Es un catálogo bastante singular de ingenios.

A pesar de que todos los trabajos son buenos, en lo particular tengo 3 favoritos. En primer lugar, Lorenzo Mattotti y su trabajo brutal (como todos sus trabajos, en realidad) con la canción A hard rain's a-gonna fall del álbum The freewheelin' Bob Dylan.

Luego, del mismo álbum, se desprende la canción Blowin' in the wind. Este clásico es trazado por Thierry Murat con un minimalismo encantador.

Está, por último, la interpretación que Dave McKean hace de Desolation row del álbum Highway 61 revisited, que captura el ojo con su movimiento entre técnicas y colores.

Tampoco es todo miel sobre hojuelas. Hay un sólo punto que no me convenció del cómic: que Girl of the north country es una de las canciones que más aprecio de toda la obra de Dylan y es la que tiene la adaptación gráfica más pobre. Y, ojo, Avril tiene un estilo peculiar y genial, pero no creo que haya logrado atinar con la canción, lo cual me decepciona. Pero este puntito negativo es enteramente personal.

Como conclusión, es una obra hermosa. Se aprecie o no la música de Bob Dylan, no tiene pierde echar un ojo a la gran calidad gráfica que desfila por sus hojas. Creo que todos los autores, a su manera, han logrado magnificar cada una de las canciones incluidas. Muy recomendado. 

La edición en español estuvo a cargo de Norma Editorial, año 2010. 

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Published: By: Sorel - 3:31 a.m.

La chica a la orilla del mar

Inio Asano es un autor japonés de manga nacido en 1980. Empezó su carrera siendo muy joven y desde entonces se le distingue como una voz única de su medio y generación. A lo largo de su obra se ha movido en géneros como el surrealismo, el terror psicológico y el realismo. Precisamente en este último entra el cómic del que se habla en esta entrada.

La chica a la orilla del mar ofrece una historia que parece sencilla: Sato e Isobe son un par de adolescentes que tratan de sobrevivir, precisamente, a su juventud. Viven en una comunidad pequeña en Japón que cuenta con una playa poco transitada. El cómic retrata día a día la compleja relación que establecen, desde los silencios más largos hasta los episodios sexuales más repentinos. Ambos chicos se encuentran marcados por su pasado. 

Si bien la anécdota es simple, el desarrollo no lo es. La juventud retratada en los cómics de Inio Asano es apática, melancólica, muy íntima, solitaria e impredecible. Entre los protagonistas de La chica a la orilla del mar hay una red de obsesiones, traumas y pasiones sin resolver que los arrastran a ambos a vivir un drama intenso en lo que parece un marco muy cotidiano. También se describen sus relaciones con sus respectivas familias y amigos escolares. Este género (en el que parece que no pasa algo pero en realidad pasa todo) es conocido como Slice of life y dentro de los géneros comunes del manga, esta obra es clasificada como Seinen.

El apartado gráfico es importante porque los diálogos en el cómic son los justos, a veces los silencios dicen más. El estilo del autor es fantástico en ese sentido. Está considerado como uno de los mejores artistas de su medio. Se caracteriza por prestar mucha atención a los detalles de las viñetas y en la expresión corporal de sus personajes. Cuenta con páginas dobles impresionantes y es también famoso por copiar fondos o paisajes de fotografías reales (no las escanea y las pone de fondo, las dibuja). El resultado es ver el estilo manga que ya es bien conocido pero con una calidad muy superior. Incluso las escenas de sexo a pesar de ser explícitas no parecen obscenas, como las de un hentai. Si bien no es su mejor obra en este apartado, vale muchísimo la pena detenerse en algunas páginas a contemplar la serenidad de los detalles. 

Como ya se mencionó, el sexo es un elemento importante de la historia y también el causante de las principales críticas negativas. Sato e Isobe son dos jóvenes que descubren, exploran y perfeccionan su vida sexual juntos. Y cuando digo "exploran" casi me refiero a "experimentan". El asunto resulta chocante a muchos principalmente porque se trata de menores de edad y porque encuentran injustificados algunos encuentros. Sin embargo, el cómic hace algo que, yo pienso, es muy importante: desmitificar el sexo. En particular, "la primera vez". Los encuentros entre los protagonistas están desprovistos de la magia hollywoodense de la primera vez adolescente, se trata casi de encuentros terapéuticos y calculados. Cualquiera que sea el caso, las escenas están justificadas en tanto no se trata de niños y es un cómic dirigido a un público adulto. 

En fin, La chica a la orilla del mar es uno de mis libros favoritos de uno de mis autores japoneses favoritos. Es un gusto leerle y disfrutar de su tremendo trabajo gráfico y simbólico. El autor es un tipo que entiende a la perfección los problemas y angustias de su generación y tiene bastante talento para narrarlos y transmitir lo que quiere decir. Muy recomendado.

(En español, "La chica a la orilla del mar" fue publicado por la editorial MilkyWay en dos tomos en el año 2014).

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Published: By: Sorel - 10:18 p.m.

Bordados

Bordados es una novela gráfica de la autora Marjane Satrapi (de la que ya he hablado con anterioridad). En esta ocasión aprovecha de nuevo las anécdotas familiares para construir una historia que a la vez es personal y social. En esta ocasión Satrapi rememora el tiempo del samovar (hora del té) en el que las mujeres "airean" el corazón mientras los hombres duermen la siesta. Acompañada de su madre, abuela, tías y amigas, realiza un retrato integral de lo que implica ser una mujer en Irán.

El título del comic es precisamente una síntesis de los temas que se tratan. Lo enriquecedor del relato es que las mujeres hablan sin tapujos sobre sexo, matrimonio, hombres y costumbres y creencias iraníes respecto a la mujer. En pleno cotilleo recuerdan anécdotas propias y ajenas que involucran a niñas, jóvenes, adultas y ancianas por igual. La perspectiva que ofrece es panóramica y bastante entrañable. Las mujeres que toman el té representan también las distintas ideologías, unas son más liberales que otras, unas confían aún en el matrimonio, otras no, etc.

Lo mismo nos reímos con la anécdota de la mujer que perdió su virginidad y quiso arreglarlo con una navaja como nos indignamos con la historia de la niña casada con un anciano. Esta es la cuarta lectura que hago de Satrapi y puedo entender ya su estilo crítico pero a la vez cálido. Es decir, nos presenta un testimonio importantísimo sobre la situación histórica de Irán pero a la vez lo hace desde un punto de vista femenino y familiar. Comprendemos todo a través de las anécdotas de sus parientes y de sus reflexiones, no desde un punto de vista ajeno y totalmente objetivo. 

Sobre el estilo de Satrapi, ya es más que distinguible: trazos gruesos en blanco y negro y casi siempre en sus páginas, la predominancia del texto sobre la ilustración. Sin embargo nunca me ha parecido que sus textos "largos" le resten algo a sus obras. La narración es bastante envolvente y fluida, uno de pronto tiene la sensación de estar "chismeando" con las mujeres y quiere saber más. 

Aunque mi experiencia de lectura no fue del todo miel sobre hojuelas. En algún momento me costó mucho trabajo entender la letra del cómic que a propósito, es cursiva, emulando un manuscrito. Para efectos de estilo está genial, da un toque de intimidad, sin embargo nunca he sido muy buena para descifrar la letra cursiva. Espero que ustedes tengan más talento que yo para eso y si no, hagan el esfuerzo, es una obra corta, hermosa, cálida y sobre todo, crítica que veo como imprescindible para entender el mundo más allá de occidente y más allá de los hombres. 

Editorial en español: Norma
Guión y dibujo: Marjane Satrapi
Año de la edición en español: 2004
País de publicación original: Francia

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Published: By: Sorel - 7:37 p.m.

Los años del elefante

La novela inicia in media res. Algo se ve caer por la ventana. Karel (o Carl) lee su periódico, las acciones han bajado. Su mujer aspira la alfombra. Llaman a la puerta, Karel abre. "Su hijo se ha tirado desde el tejado". El mundo de Karel Germonprez llega a su fin.

A partir de esa tragedia, Karel se convierte en un hombre incapaz de comunicar su sentir de forma eficiente, recurre a una terapeuta y se desconecta por completo de su entorno social, que se muestra apático. Se encierra en sí mismo, piensa en el suicidio, le da vueltas al recuerdo de Wannes, su hijo. El dolor y las alucinaciones que padece lo dejan en una situación precaria. Se aferra a lo único que le queda: la silueta dibujada en el sitio donde quedó el cadáver. Le aterra olvidar. Las dos últimas hojas proporcionan uno de los finales más buenos que he leído.

Cabe mencionar que Karel no es más que el alter ego de Willy Linhout, el autor, que en 2007 perdió a su hijo de la misma forma. Por tal razón la novela está escrita y dibujada con una naturalidad que sorprende. Los años del elefante es probablemente una de las lecturas comiqueras más dolorosas y complejas que he hecho en la vida. Son más de 100 hojas dedicadas a explorar el dolor y la pérdida. No se trata de una serie de viñetas cursis y baratas que llamen al llanto fácil. Es un descensus ad inferos (sin retorno) en un contexto muy peculiar. 

Ese contexto es cómico. Los trazos son sucios, en lápiz, los gestos se exageran y las alucinaciones brindan un contexto surreal que se contraponen a la seriedad del tema. Si no fuera por los constantes recordatorios de miseria, el lector pensaría que está leyendo la tira cómica del domingo. Es la risa más amarga que se puede lograr. Creo también que es un historia diseñada para un público muy específico: el autor mismo y gente que haya experimentado el suicidio de un ser querido. Es por eso, por su alcance emocional, que ha sido una obra multipremiada en Europa.

 Lo mejor: 

1. El flujo de la narración, la mezcla entre la realidad y las alucinaciones está muy lograda. Además el cómic logra poner en la mesa todos los temas escabrosos alrededor del duelo: la terapia, las drogas, las ideas suicidas, los lazos familiares, el rompimiento con el mundo cotidiano... y todo lo hace sin ser un melodrama.

2. El contraste logrado entre el tema y un dibujo que parece más bien de tira cómica de los domingos.
3. Los usos de la silueta de Wannes a lo largo de la novela.
4. El final. Gran final. 

Conclusión:

Si el tema les es sensible, la novela debería ser capaz de dejar alguna marca en sus lectores o al menos formular en sus mentes varias preguntas o reflexiones. La muerte, específicamente el suicidio de un ser querido, es un acontecimiento desastroso para los que se quedan. Linthout es un sobreviviente, uno de verdad, uno capaz de expresarse. Los años del elefante es una pintura íntima y entrañable del duelo. Lectura altamente recomendada.

Editorial: Ponent Mon
Guión y dibujo: Willy Linthout
Año: 2009
País: Bélgica

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Published: By: Sorel - 11:21 p.m.

Hey, wait...

John Arne Sæterøy (mejor conocido como Jason) es un autor de comics nacido en Noruega. Se trata de un artista famoso y prolífico fácilmente reconocible por sus personajes antropomórficos. En este caso reseño su cómic Hey, wait..., una cortísima novela gráfica de su autoría. Como ya mencioné, la firma de Jason son sus personajes antropomórficos y un habilidoso uso del silencio en sus viñetas. Estos elementos contrastan su simplicidad con la complejidad de las historias que pretende transmitir. En este caso, Jason deja en claro una cosa: no nacemos con un manual para lidiar con la tragedia que representa la adultez.

La historia se divide en dos partes. En la primera, presenciamos imágenes de la niñez de los protagonistas: la escuela, la inocencia y los juegos nos llevan a la vez a rememorar nuestra propia infancia. Luego... la elipsis brutal, dolorosa. La vida se muestra cruel e implacable, hasta irónica para uno de los protagonistas. En la parte dos presenciamos lo que nadie quisiera, el fracaso, la depresión, la imagen propia en el espejo, la foto rota de la infancia. Jason demuestra el punto de que la tragedia tiene muchas formas pero quizá la mayor (y más sutil) es volverse adulto. De la parte uno a la dos, pasamos de un mundo en donde todo es posible, a uno asfixiante en el que todo es imposible.

Sobre el dibujo, los personajes de Jason son siempre antropomórficos, sus trazos son limpios y gruesos y gusta de las viñeetas silenciosas para comunicarse mejor. En sus historias, un cuadro completamente oscuro y vacío puede decir más que un diálogo.

Lo mejor:

1. La historia. A pesar de ser cortísima tiene lo que debe tener para representar una experiencia enriquecedora a cualquier lector.

2. El dibujo. Yo no era muy fan de los animales con comportamiento humano pero desde Maus poco me importa. Además trazar esta clase de personajes permite que un lector se proyecte más fácilmente en lo que lee.

3. El silencio. Porque en este caso sí dice más que mil palabras.

Lo peor:

1.Me gustó tanto que me pareció demasiado corto.

Conclusión:

El estilo de Jason es tan simple pero a la vez muy inteligente... está lleno de guiños y metáforas pero colocados de tal forma que no resultan abrumadores. Para decirlo en pocas palabras, Jason no pretende pasarse de intelectual. Es sorprendente que un cómic de unas 60 páginas o menos resulte tan nostálgico y hasta cruel. Muy recomendable.

Guión y dibujo: Jason

Editorial: Phantagraphics books

Año: 2001

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Published: By: Sorel - 11:07 p.m.

Paquidermo

Ya de entrada, la portada me encanta. Es un perfecto ejemplo de lo que toda la novela es: un no saber qué está pasando exactamente. Paquidermo es una obra del conocido autor suizo Frederik Peeters. La historia gira entorno a Carice, una joven y elegante mujer que se dirige al hospital porque le informaron que su marido se accidentó. Sin embargo, la carretera es obstruida por un elefante atropellado por lo que Carice debe atravesar un bosque a pie para llegar al nosocomio.

De ahí en adelante la historia oscila entre el sueño y la realidad. Los miedos y problemas de esta mujer se proyectan en los paisajes y especialmente en el hospital. Hasta que el cómic no lo aclara, no sabemos en cual reino estamos. Lo único que podemos asegurar es que cada vez nos adentramos más en la historia de esta mujer y que tiene unos giros geniales. Asistimos también a una historia de espionaje que se asoma entre alucinación y alucinación. Freud y el sexo y diversos símbolos hacen de esta novela algo rico de leer. También abundan los homenajes al cine de suspenso y obras clásicas de la literatura, como el mismo autor menciona en una entrevista: 

Paquidermo es un intento de trabajar sobre el terreno de los literatura y el cine de los años 30 y 40, en los que la psiquiatría freudiana está muy presente en las historias. Hay muchos ejemplos en el cine americano de ese periodo, en el primer [Alfred] Hitchcock, también Fritz Lang o las novelas de Stefan Zweig…

La estética de los años 50 definitivamente dotan a esta obra de una parte visual muy interesante. A mi me parece una ilustración muy fina y aunque simple, es exquisita. Me encontré con bosques espectaculares con entradas vaginales, cadáveres que vuelven a la vida, mujeres y hombres intrigantes, ancianos raros y animales que hacen más de lo que parece. Todos dibujados y coloreados a la perfección.

Lo mejor:

1. La historia. A pesar de no ser algo espectacular o algo muy intelectual, es genial presenciar los giros que da. Digamos que es una historia clásica con elementos "secundarios" que la hacen genial.

2. El final. Me encantó, es algo que en algún punto de la novela se intuye pero se confirma de gran manera. Además, es un final que nosotros debemos cerrar.

3. La estética. Entre esa aura retro y el dibujo exuberante pero fino, es una obra visualmente muy, muy agradable.

Lo peor:

1. Quizá por los homenajes, a veces da la impresión de que en algún lado ya vi / leí esto. 

Conclusión:

Me ha parecido una historia redonda, Cierra lo que empieza (de alguna forma), explora el inconsciente y lleva al lector de viaje a una historia que se desenvuelve en dos tramos: el real y el surreal. Y en ambos planos hay giros muy interesantes. Me parece que es una historia con mucho homenaje y algo clásica, de alguna forma es algo que ya hemos visto y leído pero no por eso es menos buena. Es una reinvención muy linda y recomendable para empezar con Peeters. 

Guión y dibujo: Frederik Peeters

Editorial: Astiberri

Año: 2009

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Published: By: Sorel - 10:57 p.m.